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Sharp Spoon

회화와 조각은 무엇이 다를까?

2020.11.01

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

회화와 조각을 비교해서 알아보기

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

회화와 조각의 목적은 볼 줄 알게 되는 것이다

     

                                                       - 레오나르도 다빈치

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

작품을 처음 마주할 때, ‘회화’와 ‘조각’의 차이에 따라서 설명과 방향이 달라진다. 쉬운 예로 회화는 평평한 면에 그려진 평면이고, 조각은 붙이거나 깎아서 입체적이다. 단지 이것이 전부일까? 그렇다면 왜 르네상스의 거장 미켈란젤로와 레오나르도 다 빈치는 신경전을 벌였을까.

 

 

 

 

르네상스의 두 천재 예술가인 다빈치와 미켈란젤로의 신경전은 미술사에서 유명하다. 당시 다빈치는 그림을 그렸고, 미켈란젤로는 조각을 했다(물론 미켈란젤로도 회화작업을 하긴 했었다). 두 천재 예술가가 비슷한 나이는 아니었지만, 르네상스의 중심인 피렌체에서 동시대를 살았기에 서로를 알고 있었다. 두 사람은 분야만큼이나 작업방식도 상이했다. 가장 좋은 옷을 입고 음악가들의 연주를 들으며 작업을 했던 다빈치와 다르게, 미켈란젤로는 잘 먹거나 씻지도 않은 채 작업을 진행했다. 대리석을 파는 일 자체가 가루가 튀고 먼지가 날릴 수 밖에 없으니, 작업하는 미켈란젤로에게서 악취가 풍겼다는 말이 이해된다. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

좌) 레오나르도 다 빈치 <최후의만찬>, 우) 미켈란젤로 <다비드>

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

그러나 결정적으로 회화와 조각에 대한 두 예술가의 견해는 정반대였다. 다빈치는 ‘예술의 고귀한 정점은 회화’라고 생각했다. 그림을 그리는 자체에서 이미 자신이 아는 고귀함을 유지하는 것은 당연했다. 그런 다빈치가 보기에 커다란 돌을 깎는 조각가는 예술가가 아니라 노동자였다. 조각을 회화의 아래라고 생각했고, 이는 ‘대리석에서 천사를 보았기에 그를 자유롭게 할 때까지’ 조각하는 미켈란젤로를 화나게 했다. 미켈란젤로도 다빈치를 의식했던 것일까. 미켈란젤로는 ‘조각이야 말로 최초의 독창적인 예술’이라고 이야기했다. 

 

 

 

 

이렇게 두 예술가가 바라본 것처럼 회화와 조각은 다르다. 시각적인 차이로 구분이 되는 것은 물론이요, 사용하는 재료와 방식 등이 모두 다르다. 작가의 성향과 취향에 따라 분야가 달라지고, 이후 만들어진 작품들도 상이해졌다. 그러나 회화와 조각은 ‘미술’의 한 뿌리에서 자라났다. 레오나르도 다빈치가 이야기한 것처럼 회화와 조각의 목적 ‘볼 줄 알게 되는 것’이다. 과연 회화와 조각은 자신들이 바라본 것을 어떤 방법으로 표현했는지, 공통점과 차이점을 비교해보자.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

- 순수미술(Fine Art)

 

실용을 바탕으로 한 효용성보다는 절대적인 미(美)의 추구와 미술 존재의 실존적 개념의 추구와 그 표현을 목적으로 하는 회화, 조각 등의 미술(pure art)을 말한다. 

@네이버 지식백과

 

 

 

 

미술’을 검색해보면, ‘시각으로 파악할 수 있는 건축, 회화, 조각 등을 포함하는 예술’이라고 나온다. 오늘날에는 청각이나 후각을 사용한 미술도 등장했지만 미술은 음악이나 다른 분야에 비해 ‘시각’을 강조했던 미술이었다. 이에 아직까지 미술에 대한 정의는 ‘시각적인 아름다움을 담은 예술’이라고 정의한다.

 

 

 

 

그리고 미술 중에서 회화와 조각은 ‘순수미술’이라는 하나의 뿌리에서 출발한다. 순수미술이란 ‘우리가 알고 있는 미술’에 가장 가깝다. ‘순수한 아름다움을 담은 예술’이며, 실용성을 바탕으로 하는 디자인(응용미술)과는 다른 개념이다. 실용적인 목적이 아닌 ‘미술 그 자체’가 목적이기 때문이다. 이에 회화, 조각 등이 모두 순수미술에 속하게 된다. 이렇게 한 뿌리에서 자라난 회화와 조각을 과거에는 표현방법과 재료에 따라 구분했지만, 최근에는 ‘표현 방법’을 주로 해서 구분한다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

회화는 보이는 것을 갖고, 보이지 않는 것을 표현하는 기술입니다

 

                                                                                      - 외젠 프로망탱

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

1.  회화(평면미술)

: 평면에 표현하는 미술, 드로잉·판화는 ‘평면미술’로 회화와 함께 묶는다

 

 

 

 

 

레오나르도 다 빈치 <모나리자>

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

루브르 박물관에 가서 <모나리자>를 찾으려면 사람이 가장 많은 곳으로 가면 된다. 사람들이 어느 한쪽을 바라보며 일제히 모여있는데, 바로 그곳이 <모나리자>앞이다. 유독 바글바글 모인 이유는 간단하다. <모나리자>가 평면으로 되어있기 때문이다. 다양한 각도에서 볼 수 있는 작품이 아니기에 모두 한쪽에 모여서 작품을 마주해야 한다.

 

 

 

 

이렇듯 회화는 ‘평면 위에 그린’ 작품이다. 그래서 다른 용어로 ‘평면미술’이라고도 부른다. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

좌) 산드로 보티첼리 <봄(라 프리마베라)>(1478), 우) 르누아르 <카누를 젓는 사람과 점심식사>(1879~1880)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

회화는 기법이나 표현 재료에 따라 다양한 이름을 갖고 있다. 주로 표현재료와 기법에 따라서 템페라화, 유화, 아크릴화, 수채화 등으로 부르며 크게는 서양화와 동양화로도 구분할 수 있다.

템페라는 ‘혼합한다’라는 라틴어로, 달걀 노른자와 아교를 섞어서 만든 불투명 안료를 사용하는 화법이다. 템페라는 르네상스 이후에는 유화에 비해 사용도가 떨어졌는데, 빨리 마르거나 부드러운 표현을 하기에는 한계가 있기 때문이다. 보티첼리의 <봄(라 프리마베라)>은 템페라화 이며, 르누아르의 <카누를 젓는 사람과 점심식사>는 유화 작품이다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

좌) 신윤복 <미인도>, 우) 빈센트 반 고흐 <아를의 반 고흐의 방>

 

 

 

 

 

 

 

 

 

우리가 미술시간에 배운 예술가들은 주로 ‘회화’작가가 많다. 고흐, 피카소, 잭슨 폴록, 모네, 마네 등 물감으로 캔버스에 그림을 그린 작가들이다. 이는 회화가 오랜 시간에 걸쳐서 다양한 미술사조를 만들어냈기 때문이다. 닮게 그리는 그림부터, 명암을 강조하고 신을 표현하다가 실생활과 내면세계를 그리는 등 여러 사조가 긴 시간에 걸쳐 나타났다. 점, 선, 면으로 한 작품이 만들어지기도 했고 아예 형태가 사라지기도 했다. 이러한 다양한 스타일과 분위기를 걸치며 나타났으니, 대부분의 비전공자는 ‘미술’이라는 단어를 들을 때 익숙한 ‘회화’를 먼저 떠올리기도 한다. 

 

 

 

 

또한 회화가 속한 평면미술에는 드로잉과 판화도 속해있다. 단시간에 그리는 드로잉과 복제수단이 없던 시절 사용된 판화도 평면미술로 부르고, 하나의 예술작품으로도 인정받고 있다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

그저 돌덩이를 멋지게 깎는 것이 아니야. 천국의 모습을 만드는 것이지

 

                                                                                               - 미켈란젤로

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

2. 조각(입체미술)

: 입체적으로 표현하는 미술, 소조 ·목조 ·석조는 ‘입체미술’로 조각과 함께 묶는다

 

 

 

 

 

 

아게산드로스, 아테네노도로스, 플로도로스 <라오콘>

 

 

 

 

 

 

 

 

<라오콘>은 바티칸미술관에서 만날 수 있는데, 실제로 바라봤을 때 2.4m의 큰 크기와 사실감 있는 동작에 압도당한다. 이 작품은 포세이돈이 보낸 큰 뱀에게 감겨서 죽기 직전의 고통과 분노를 표현했다. 생동감 있는 동작과 사실감 있는 근육이 ‘조각’의 매력을 더욱 더 살려준다. 

 

 

 

이렇듯 조각은 ‘ 깎아내서 원하는 모양을 만들어내는 ’ 미술이다. 깎는 것이 아닌, 붙여서 표현하는 ‘소조’와 혼동되기도 하고, 이를 ‘조소’라는 용어로 합쳐서 사용하기도 한다. 회화와는 다르게 입체적인 미술이기 때문에, 조각을 ‘입체미술’으로도 부른다. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

좌) 오귀스트 로댕 <키스>(1880~1898), 우) 알베르토 자코메티 <걷는사람>

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

조각은 다시 돌을 이용해서 만든 석조, 나무를 이용해서 만든 목조, 평면에 새겨서 만든 부조 등 재료에 따라서 다양하게 나눠진다. 이외에도 현대에서는 금속과 종이 등 다양한 재료를 사용해서 조각을 한다. 사용한 재료에 따라서 조각의 질감과 표현 방법이 달라지고 이는 다른 느낌으로 표현되기도 한다. 로댕의 <키스>는 대리석으로, 자코메티의 <걷는사람>은 청동으로 만들어진 조각 작품인데 두 작품의 재료에 따라 달라진 질감은 작가의 의도를 더 분명하게 드러내고 있다. 이외에도 사찰의 불상도 조각에 속한다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

좌) 미켈란젤로 <다비드>(1501~1504), 우) 콘스탄틴 브랑쿠시 <공간 속의 새>(1923)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

회화의 변화에 비해 조각은 다이나믹 하지 않다. 단적으로 비교해보면, 회화는 오랜 시간에 걸쳐서 다양한 사조를 통해 ‘보이지 않는 것’을 평면에 표현 하게 되었다. 그러나 조각은 ‘보이는 형태로써 대상을 표현’하는 작업 이다. 작가의 표현 방법으로 보이지 않는 것을 유추할 뿐이다. 그럼에도 시대가 흐름에 따라 미켈란젤로에서 로댕, 브랑쿠시, 알베르토 자코메티 등 다양한 관점으로 대상을 표현하려는 조각가들이 등장했다. 이들이 바라본 대상과 재료, 방법, 형식은 각각의 차이가 있다.

 

 

 

 

 

이렇게 회화와 조각은 재료와 기법에 따라서 분명한 차이를 보인다. 그래서 전시장을 둘러봐도, 평면인 회화작품은 주로 벽에 걸려져 있고 조각은 중앙 혹은 어느 한 공간에서 전시되고 있다.

물론 오늘날에는 다시 그 뿌리를 찾아가듯 회화와 조각이 서로의 경계를 넘나들고 있다. 회화는변화 무쌍한 모습을 자랑이라도 하듯 물감을 넘어서 나무, 돌, 옻을 사용하고 있다. 오늘날의 예술가에게 있어서 회화와 조각의 구분이 과거의 예술가들처럼 자존심을 지키면서까지 신경전을 벌일 일은 아니란 것일까. 분명한 차이가 있는 회화와 조각을 넘나드는 작품들을 마주 하는 일은 현대미술의 즐거움이기도 하다. 

 

 

 

 

 

물론 모든 예술은 한 뿌리에서 나왔다. 이 외에도 디자인, 건축, 음악, 시, 무용 등도 모두 하나의 예술에서 나왔다고 해도 과언이 아니다. 조각가 로댕도 이렇게 얘기하지 않았는가.

 

 

 

 

 

 

 

 

모든 예술은 형제입니다. 그 밑바닥은 같습니다. 

인간세계에서의 인간정신의 표현입니다. 방법이 다를 뿐입니다

 

                                                                                             – 로댕

 

 

 

 

 

 

 

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